图：杨嘉辉的作品《消音状况#22：消音的柴可夫斯基第五交响曲》片段；林慧洁的作品《我心自在》片段 作者供图

　　在香港视觉艺术中心的讲堂裏，偌大的银幕上放映着德国科隆的弗罗拉交响乐团（Flora Sinfonie Orchester）演绎柴可夫斯基《第五交响曲》的短片，但是扩音器播放出来的却非交响乐曲，而是乐团指挥和乐师们在演出时呼吸，翻乐谱或按乐器键盘的声音。这些窸窸簌簌、嘎嘎嚓嚓的“杂音”构成了香港声音艺术家杨嘉辉的《消音状况#22：消音的柴可夫斯基第五交响曲》，是其个展“配器法”中的两组作品之一。

　　《消音状况#22》让我想起音乐艺术大师约翰．凯奇（John Cage，一九一二至一九九二）。凯奇是美国先锋派古典音乐家，他最著名的作品是创作於一九五二年的《4分33秒》，改写了艺术史。此曲分三个乐章，没有指定演奏乐器，而演奏者由始至终并未演奏出任何一个音。倘若演奏者使用钢琴，则全程只会发出开合琴盖、计时、擦汗，甚至是深呼吸等动作的声响。凯奇作此乐曲，旨在消除音乐与生活之间的界限，让我们明白世界上根本没有寂静这回事，因为日常生活中的任何声音都可以构成音乐。

　　儘管杨嘉辉师从保罗．兰斯基（Paul Lansky），但我以为他在声音艺术的探索上颇受凯奇的启发。在《消音状况#22》中，他刻意把观听者所期盼的起伏旋律给消隐了，重新释放出受众期盼中本应消隐的边缘化、本质性声音（我们一般称之为“杂音”），如此具有巨大落差的视听布局带来一种引发反思的艺术张力，不但“挑战观众对日常事物、故事及空间的认知”（视觉艺术中心馆长连美娇语），而且发扬了声音艺术中批判传统音乐的核心理念。

　　同样是布置视听落差，另一位香港艺术家林慧洁也有独到的表现，其录像与声音装置展览“我心自在”操作起来要比“配器法”简易得多，但在概念的表达上更加完整，也更加考验受众的耐性。

　　fiXER展场约莫五至六平方米大小，一端容纳两张沙发、一张茶几、一张小圆桌、投影机和扩音器，另一端是可供投影的白墙，空间局促逼仄。观众坐沙发上，在喝着由导赏员泡製的浓厚咖啡的同时，一面翻阅小圆桌上林慧洁的手写小本子，一面观看录像《和弦／不和弦》。录像无他，始终只见海面波澜持续蕩漾的画面，从扩音器裏初时尚能听到海浪声，但对应着小本子上如“火车来了吗”、“跑，继续跑”等词句，海浪声很快就变成了火车到站离站、乘客跑动、开关门、抖动钥匙等种种人为“杂音”，直至结束。

　　必须指出的是，落差不仅出现在视觉、听觉和嗅觉的“错配”上，也见诸是次展览的种种规定（亦是限制）中，如必须线上预约，看展时间规定在七个晚上七点半至九点半两个时段裏，每时段只招待三名观众，一反策展尽量方便观众、以接纳最多人次为主的原则，营造了一个与艺术家或受众的自我相衝突的环境。

　　面对这落差布局，受众不管是深感突兀，无从接受，抑或自行调适，忘我地融入其中，都成了林慧洁不协调文本的一部分。